?

Log in

Previous Entry | Next Entry

Возникновение натюрморта как самостоятельного жанра принято относить к Голландии XVII века, хотя в текстах античных авторов можно найти первые упоминания о мастере натюрморта греческом живописце Пернакосе. Возможно, что его картины послужили образцами для фресок в Помпеях. Это яркие и сочные изображения цветов, фруктов, а также ритуальных сосудов, письменных приборов, монет.
На протяжении следующих веков в изобразительном искусстве выстраивалась строгая иерархия, при этом одни виды живописных произведений считались престижнее других. Самой престижной была историческая или религиозная живопись, за ней следовала портретная, далее жанровая или сцены из повседневной жизни, затем пейзажная и, наконец, натюрмортная. Положение натюрморта изменилось благодаря художникам «Золотого века Голландии» в XVII веке. Отказ Голландии от католицизма, а вместе с тем и от главного на тот момент католического стиля барокко, привел художников к новым сюжетам, более подходящим протестантству и его этике самоограничения и воздержанности. Часто это были жанровые сцены или натюрморты, демонстрировавшие новый интерес к обычным вещам. Философия художников заключалась в следующем: хотя все эти вещи могли показаться незначительными, они являлись очень важными, поскольку в том, что создано Богом, заведомо не может быть ничего тривиального и недостойного внимания художника.
К 1640 г. натюрмортная живопись укоренилась в Голландии как самостоятельный жанр, а не просто как приложение к крупным картинам. Теперь, когда основным «потребителем» искусства стал средний класс, натюрморты стали привлекать его представителей своим реализмом, красками и размерами. Контрасты текстур и реалистичность деталей восхищали владельцев картин и их гостей. Еще большую популярность приобрели полотна, включавшие изображения символических напоминаний, таких как череп, глобус или гниющий фрукт. Эти аллегорические натюрморты, иллюстрировавшие изречение «Суета сует – все суета», получили наименование ванитас. Они напоминали о бренности человеческой жизни и неизбежности смерти.
В натюрмортах, относящихся к началу XVII столетия, предметы расставлены в строгом порядке, словно экспонаты в музейной витрине. В подобных картинах детали наделены символическим значением: яблоки напоминают о грехопадении Адама, а виноград – об искупительной жертве Христа. Раковина – оболочка, оставленная когда-то жившим в ней существом, увядшие цветы – символ смерти. Бабочка, родившаяся из кокона, означает воскрешение. Примером такого символического натюрморта является работа Стенвика (1612-1659). Символизируя бренность жизни, человеческий череп является центром изображения. Такой раритет, как японский самурайский меч, намекает на накопленные богатства и мощь, книга воплощает человеческие знания, а музыкальные инструменты напоминают о чувственных удовольствиях.



Хармен Стенвик. «Аллегория бренности человеческой жизни». Ок. 1640 г.


У художников следующего поколения вещи уже не столько напоминают об отвлеченных истинах, сколько служат для создания самостоятельных художественных образов. Натюрморт стал своего рода полем для решения чисто живописных проблем. Так, Виллема Калфа (1619-1693) особенно интересовал свет, его отражения и преломления в стеклянных сосудах. В его натюрмортах поражает любовное внимание к особенностям каждого предмета, умение тонко сопоставить материал и фактуру, разнообразные композиции, изысканные красочные сочетания, виртуозное мастерство в передаче каждого предмета.



Виллем Калф. «Натюрморт с праздничным кубком». Ок. 1653 г.


Жан Батист Симеон Шарден жил в эпоху расцвета стиля рококо с его помпезными полотнами. Шарден, напротив, создавал композиции со скромным набором предметов, строгостью и продуманностью построения, в его натюрмортах, являвшихся по сути скрытыми портретами, была повседневная домашняя жизнь людей из так называемого третьего сословия, переданная в спокойной, задушевной и правдивой манере. Натюрморты и жанровые сцены художника предвосхитили расцвет реализма в XVIII веке.



Жан Батист Симеон Шарден. «Натюрморт с кухонной утварью». 1734-1735 гг.


После изобретения фотографии в 1839 году, художники уже не стремятся к точному воспроизведению деталей и виртуозному реализму. На первый план выходит личная трактовка автором сюжетов.
Во второй половине XIX века интерес к натюрморту значительно усиливается. Импрессионисты во Франции делают акцент на живописном восприятии мира вещей, решают проблемы светоцветовых отношений, нередко трактуют натюрморт как своеобразное декоративное панно. Как и реалисты, импрессионисты восставали против давления академизма и стремились при-дать искусству более современный вид. Выбирая повседневные сюжеты, из-бегали символизма и воспринимали картину как зарисовку одного из мгновений жизни. Они работали чистыми красками, многие полотна писали на пленэре и стремились передать общее впечатление вместо выписывания мельчайших деталей. Благодаря течению импрессионистов и поддержке со стороны Наполеона III, в обществе утвердилась мысль, что искусство может отличаться от официально одобренного стиля.



Пьер Огюст Ренуар. «Гранаты и виноград».


Представитель постимпрессионизма Поль Сезанн, «отец современного искусства», в своих натюрмортах стремился вызвать ощущение объема и глубины, обходясь без традиционных законов линейной перспективы. Сезанн показывал объекты под разными углами зрения, пытаясь тем самым максимально акцентировать формы и их взаимодействие.



Поль Сезанн. «Натюрморт с яблоками». 1892-1894 гг.





Другой постимпрессионист – Винсент ван Гог – более всего известен своими «Подсолнухами». Его также не слишком интересовала правильность изображения. С помощью мазков и цвета – его главных выразительных средств – ван Гог передает свои чувства и восприятие мира. Все, что не помогает автору выразить свои чувства, отброшено.



Винсент ван Гог. «Подсолнухи». 1889 г.





С начала XX века натюрморт становится своего рода творческой лабораторией живописи. Мастера фовизма пренебрегали точностью формы и даже утрировали плоскостное изображение. Важнее всего для них был цвет, невероятно яркие, неестественные для предмета краски, которые передавали чувства и впечатления от объекта. Им была присуща энергичная, свободная манера живописи, отсутствие светотени и полутонов, ломанные контуры, свободная техника и композиция. В своей работе «Фрукты и бронза» Анри Матисс рационально упрощает художественные средства для усиления выразительности и декоративной целостности. Художник полностью отказывается от моделировки объемов, уничтожая тем самым трехмерное пространство, и превращает натюрморт в сверкающую цветом драгоценную плоскость.



Анри Матисс. «Фрукты и бронза». 1909-1910 гг.





В то же время представители кубизма утверждают новые способы передачи пространства и предметов: конструируют объемы на плоскости, расчленяют формы на простые геометрические тела, воспринятые с разных точек зрения, применяют суровые, почти монохромные тона, а затем вводят в картины коллажи - различные присыпки, куски газет и другие материалы. Например, когда Хуан Грис писал свою картину «Натюрморт на клетчатой скатерти», началась Первая мировая война, и газета в правом нижнем углу настоящая, с последними известиями с фронта.



Хуан Грис. «Натюрморт на клетчатой скатерти».
1915 г.


Весьма своеобразны натюрморты представителей поп-арта, бросивших вызов теперь уже абстрактному искусству. В середине XX века многие художники Лондона и Нью-Йорка обратились к узнаваемым образам и объектам: комиксам, журналам, рекламе, упаковке, знаменитостям, демонстрируя привлекательные стороны современной массовой культуры. Публика в очередной раз была шокирована превращением «низменных» предметов в произведения искусства. Рой Лихтенштейн, к примеру, выполнил традиционный натюрморт, стилизовав его под комикс.



Рой Лихтенштейн «Натюрморт с омаром». 1974 г.